法国《电影手册》2007年评选的“世上最美的100部电影”片单，由78位法国电影学者、影评人基于作者性、形式革新与思想深度标准选出，涵盖经典好莱坞、欧洲艺术电影及亚洲名作，按获票数排序如下：
《公民凯恩》（奥逊·威尔斯，1941）以非线性叙事与深焦摄影重构时空，被誉为现代电影的开山之作。
《猎人之夜》（查尔斯·劳顿，1955）哥特式光影与道德寓言结合，劳顿唯一导演作品充满黑色诗意。
《游戏规则》（让·雷诺阿，1939）通过上流社会派对揭露人性虚伪，雷诺阿的移动镜头与即兴表演定义法国诗意现实主义。
《日出》（F·W·茂瑙，1927）默片巅峰之作，表现主义光影与自然主义表演融合，展现城市与乡村的二元对立。
《亚特兰大号》（让·维戈，1934）以蒸汽船为隐喻，长镜头与雨景拍摄开创流动空间美学。
《M就是凶手》（弗里茨·朗，1931）德国表现主义与犯罪类型结合，彼得·洛的表演与螺旋楼梯场景成为经典。
《雨中曲》（斯坦利·多南/吉恩·凯利，1952）好莱坞音乐剧典范，凯利在雨中独舞的场景定义电影欢乐本质。
《迷魂记》（阿尔弗雷德·希区柯克，1958）通过螺旋楼梯与变焦镜头制造眩晕感，探讨窥视欲与身份焦虑。
《天堂的孩子》（马塞尔·卡尔内，1945）诗意现实主义集大成者，战后巴黎的颓废与理想主义交织。
《搜索者》（约翰·福特，1956）以宽银幕构图展现西部拓荒史，伊桑·爱德华兹的复仇之旅隐喻种族冲突。
《贪婪》（埃里克·冯·施特罗海姆，1924）原片长超9小时（现存4小时），通过麻将桌与金钱符号批判资本主义异化。
《赤胆屠龙》（霍华德·霍克斯，1959）西部片中的反英雄叙事，韦恩与迪恩·马丁的对手戏颠覆传统类型模式。
《你逃我也逃》（恩斯特·刘别谦，1942）以喜剧外壳包裹战争悲剧，“门轴镜头”成为刘别谦笔触的标志。
《东京物语》（小津安二郎，1953）低机位与固定镜头构建家庭伦理空间，笠智众的表演定义东方含蓄美学。
《蔑视》（让-吕克·戈达尔，1963）通过电影拍摄过程解构婚姻危机，毕加索式构图与马尔罗对白体现作者理论。
《雨月物语》（沟口健二，1953）长镜头与横移构图展现战乱中的鬼魂世界，田中绢代表演融合能剧传统。
《城市之光》（查理·卓别林，1931）流浪汉与盲女的故事，最后重见光明的场景成为默片巅峰情感表达。
《将军号》（巴斯特·基顿，1926）以蒸汽火车追逐戏展现物理喜剧，基顿的特技表演至今无人超越。
《诺斯费拉图》（F·W·茂瑙，1922）吸血鬼题材开山之作，阴影运用与马克斯·施雷克造型定义恐怖片美学。
《大地之歌》（萨蒂亚吉特·雷伊，1955）印度“阿普三部曲”首部，新现实主义手法展现乡村生活诗意与苦难。
《畸形人》（托德·布朗宁，1932）真实马戏团残障人士出演，通过“我们”与“他们”的对比批判社会偏见。
《荒漠怪客》（尼古拉斯·雷，1954）宽银幕西部片，琼·克劳馥的复仇故事与红色外套成为视觉符号。
《母亲与妓女》（让·厄斯塔什，1973）长达3小时35分钟的对话电影，通过三角关系探讨爱情与自由。
《大独裁者》（查理·卓别林，1940）以希特勒为原型的讽刺喜剧，最后演讲场景展现电影的社会责任。
《豹》（卢基诺·维斯康蒂，1963）萨丁尼亚岛贵族衰落史，兰开夏宫舞会场景耗资百万美元再现19世纪奢华。
《广岛之恋》（阿伦·雷乃，1959）左岸派开山之作，闪回结构与玛格丽特·杜拉斯文本探讨记忆与创伤。
《潘多拉的魔盒》（G·W·帕布斯特，1929）路易丝·布鲁克斯的齐耳短发造型定义现代女性形象，结局谋杀案成为默片经典。
《西北偏北》（阿尔弗雷德·希区柯克，1959）通过拉什莫尔山追逐戏展现冷战焦虑，加里·格兰特与詹姆斯·梅森的对手戏紧张刺激。
《扒手》（罗伯特·布列松，1959）以“手”的特写构建道德困境，马丁·拉萨尔的表演体现布列松的“模特理论”。
《金盔》（雅克·贝克，1952）巴黎盗贼群像，结尾监狱场景通过光影变化展现人性复杂。
《赤足天使》（约瑟夫·L·曼凯维奇，1954）阿娃·加德纳与亨弗莱·鲍嘉的对手戏，通过舞蹈场景展现权力关系变化。
《慕理小镇》（弗里茨·朗，1955）德国移民在美国的困境，朗的几何构图强化空间压迫感。
《伯爵夫人的耳环》（马克斯·奥菲尔斯，1953）通过耳环流转展现四段情感关系，奥菲尔斯的移动镜头定义爱情电影美学。
《猎鹿人》（迈克尔·西米诺，1978）越战创伤三部曲，俄罗斯轮盘赌场景成为电影暴力象征。
《欢愉》（马克斯·奥菲尔斯，1952）三段式结构展现艺术家生活，奥菲尔斯的长镜头与旋转楼梯场景充满诗意。
《奇遇》（米开朗基罗·安东尼奥尼，1960）通过人物失踪解构传统叙事，莫尼卡·维蒂的表演定义现代焦虑。
《战舰波将金号》（谢尔盖·爱森斯坦，1925）敖德萨阶梯场景通过蒙太奇理论制造视觉冲击，成为电影语言教科书。
《美人计》（阿尔弗雷德·希区柯克，1946）通过钥匙、酒杯等道具构建间谍叙事，英格丽·褒曼与加里·格兰特的情感张力十足。
《伊凡雷帝2》（谢尔盖·爱森斯坦，1958）彩色宽银幕展现沙皇统治，爱森斯坦通过色彩象征强化权力隐喻。
《教父》（弗朗西斯·福特·科波拉，1972）马龙·白兰度的表演与维托·柯里昂的办公室场景定义黑帮片美学。
《历劫佳人》（奥逊·威尔斯，1958）开场3分钟长镜头追踪戏展现边境腐败，威尔斯的摄影与剪辑创新被忽视多年。
《风》（维克多·斯约斯特洛姆，1928）瑞典古典派代表作，通过风车、沙尘等自然元素展现人物内心冲突。
《2001太空漫游》（斯坦利·库布里克，1968）黑色方碑与星际旅行场景定义科幻片美学，配乐与视觉效果至今领先。
《芬妮与亚历山大》（英格玛·伯格曼，1982）伯格曼的童年回忆，通过圣诞场景与剧院空间展现家庭与艺术的关系。
《群众》（金·维多，1928）默片时代的社会批判作品，通过农民进城故事展现资本主义异化。
《八部半》（费德里科·费里尼，1963）马塞洛·马斯楚安尼的梦境与现实交织，费里尼通过马戏团场景展现创作焦虑。
《堤》（克里斯·马克，1962）未来核战背景下的爱情故事，静态照片与旁白构建诗意叙事。
《狂人皮埃罗》（让-吕克·戈达尔，1965）让-保罗·贝尔蒙多的彩色爆炸头造型，通过绘画与电影语言碰撞解构爱情。
《骗子的故事》（萨卡·圭特瑞，1936）法国喜剧经典，通过多线叙事展现18世纪巴黎社会百态。
《阿玛柯德》（费德里科·费里尼，1973）费里尼的童年回忆，通过小镇群像展现法西斯时代的集体记忆。
《美女与野兽》（让·科克托，1946）通过镜子、烛台等道具构建奇幻空间，科克托的诗意视觉定义童话改编范式。
《热情如火》（比利·怀尔德，1959）玛丽莲·梦露的“钻石是女孩最好的朋友”场景，性别伪装叙事充满喜剧张力。
《魂断情天》（文森特·明奈利，1958）通过汽车旅馆场景展现战后美国人的情感疏离，明奈利的色彩运用强化主题。
《葛楚》（卡尔·西奥多·德莱叶，1964）极简主义摄影与长镜头展现人物内心，德莱叶通过面部特写构建道德困境。
《金刚》（梅里安·C·库珀/欧内斯特·B·舍德萨克，1933）帝国大厦决战场景定义怪兽电影，金刚与安·达罗的情感线充满悲剧色彩。
《罗拉秘史》（奥托·普雷明格，1944）通过谋杀案解构好莱坞叙事，吉恩·蒂尔尼的表演与黑色电影风格结合。
《七武士》（黑泽明，1954）通过农民雇佣武士防御山贼的故事，黑泽明的多线叙事与动作设计影响后世无数作品。
《四百击》（弗朗索瓦·特吕弗，1959）安托万·杜瓦内的逃学故事，特吕弗通过跟拍镜头展现青少年叛逆心理。
《甜蜜的生活》（费德里科·费里尼，1960）通过记者马切洛的罗马夜生活，费里尼批判战后意大利的物欲横流。
《死者》（约翰·休斯顿，1987）改编自詹姆斯·乔伊斯小说，休斯顿的摄影与表演展现爱尔兰家族秘密。
《天堂里的烦恼》（恩斯特·刘别谦，1932）通过遗产争夺展现爱情与金钱的关系，刘别谦的“弦外之音”对话风格成熟。
《生活多美好》（弗兰克·卡普拉，1946）乔治·贝利的圣诞奇迹，卡普拉通过天堂与人间的对比展现人性光辉。
《凡尔杜先生》（查理·卓别林，1947）卓别林对资本主义的尖锐批判，凡尔杜先生的连环杀人案充满黑色幽默。
《圣女贞德蒙难记》（卡尔·西奥多·德莱叶，1928）通过贞德受审场景展现宗教审判的残酷，德莱叶的特写镜头强化人物内心。
《精疲力尽》（让-吕克·戈达尔，1960）米歇尔的逃亡故事，戈达尔的跳接剪辑与存在主义对白定义法国新浪潮。
《现代启示录》（弗朗西斯·福特·科波拉，1979）越战背景下的心灵之旅，科波拉通过科茨上校的疯狂展现战争对人性的扭曲。
《巴里·林登》（斯坦利·库布里克，1975）通过自然光拍摄展现18世纪欧洲贵族生活，库布里克的移动镜头与配乐运用极致。
《大幻影》（让·雷诺阿，1937）一战战俘营故事，雷诺阿通过阶级差异展现人性共通性。
《党同伐异》（大卫·格里菲斯，1916）四段式结构展现人类历史中的暴力循环，格里菲斯的交叉剪辑创新被忽视多年。
《乡间一日》（让·雷诺阿，1946）通过郊游展现巴黎中产阶级生活，雷诺阿的自然主义表演风格成熟。
《玩乐时间》（雅克·塔蒂，1967）通过办公室与展览馆场景展现现代社会的荒诞，塔蒂的默片式表演充满喜剧张力。
《罗马，不设防的城市》（罗伯托·罗西里尼，1945）战后罗马的抵抗运动，罗西里尼的纪实风格定义新现实主义。
《战国妖姬》（卢基诺·维斯康蒂，1954）通过阿尔多与阿米莉亚的爱情展现意大利统一后的社会冲突，维斯康蒂的摄影与服装设计极致。
《摩登时代》（查理·卓别林，1936）通过流水线作业展现工业化对人的异化，卓别林的吃鞋带场景成为经典。
《梵高》（莫里斯·皮亚拉，1991）通过梵高与弟弟提奥的关系展现艺术家内心，皮亚拉的手持摄影强化真实感。
《金玉盟》（莱奥·麦卡雷，1957）帝国大厦重逢场景定义浪漫爱情，加里·格兰特与黛博拉·蔻儿的表演充满化学反应。
《安德烈·卢布廖夫》（安德烈·塔可夫斯基，1966）通过中世纪画家卢布廖夫的生平展现艺术与信仰的关系，塔可夫斯基的长镜头与自然光运用极致。
《放荡的女皇》（约瑟夫·冯·斯登堡，1934）玛琳·黛德丽的叶卡捷琳娜大帝造型，冯·斯登堡的光影运用定义好莱坞黄金时代美学。
《山椒大夫》（沟口健二，1954）通过兄弟被卖为奴的故事展现封建社会残酷，沟口健二的长镜头与横移构图成熟。
《对她说》（佩德罗·阿莫多瓦，2002）通过植物人护理展现男性情感，阿莫多瓦的色彩运用与女性视角结合。
《狂欢宴》（布莱克·爱德华兹，1968）通过意大利婚礼展现文化冲突，彼得·塞勒斯的多语言表演充满喜剧张力。
《禁忌》（F·W·茂瑙，1931）南太平洋岛民与传教士的爱情故事，茂瑙的摄影与自然光运用定义伦理片美学。
《篷车队》（文森特·明奈利，1953）通过马戏团故事展现好莱坞黄金时代，弗雷德·阿斯泰尔与赛德·查里斯的舞蹈场景经典。
《一个明星的诞生》（乔治·库克，1954）朱迪·加兰的复出之作，通过明星陨落展现好莱坞造梦机制残酷。
《于洛先生的假期》（雅克·塔蒂，1953）通过海滩度假展现现代社会的荒诞，塔蒂的默片式表演与几何构图充满喜剧张力。
《美国，美国》（伊利亚·卡赞，1963）通过希腊移民的美国梦展现20世纪历史，卡赞的纪实风格与表演指导成熟。
《泯灭天使》（路易斯·布努埃尔，1962）通过宴会宾客被困展现人性恶，布努埃尔的超现实主义叙事充满讽刺。
《死吻》（罗伯特·奥尔德里奇，1955）通过私家侦探故事展现战后美国社会，奥尔德里奇的黑色电影风格成熟。
《美国往事》（赛尔乔·莱昂内，1984）通过面条的回忆展现20世纪美国历史，莱昂内的广角镜头与配乐运用极致。
《天色破晓》（马塞尔·卡尔内，1939）通过三角恋展现战前巴黎社会，卡尔内的诗意现实主义与音乐运用成熟。
《一封陌生女子的来信》（马克斯·奥菲尔斯，1948）通过女性独白展现一生暗恋，奥菲尔斯的移动镜头与旋转楼梯场景充满诗意。
《萝拉》（雅克·德米，1961）通过歌舞展现法国小镇生活，德米的色彩运用与音乐场景定义法国音乐剧风格。
《曼哈顿》（伍迪·艾伦，1979）通过黑白摄影与爵士配乐展现纽约浪漫，伍迪·艾伦的台词与构图充满幽默与哲思。
《穆赫兰道》（大卫·林奇，2001）通过梦境与现实交织展现好莱坞黑暗面，林奇的非线性叙事与视觉符号充满神秘感。
《慕德家一夜》（埃里克·侯麦，1969）通过哲学对话展现爱情与道德，侯麦的室内场景与台词驱动叙事定义作者电影。
《夜与雾》（阿伦·雷乃，1956）通过集中营档案影像与现代空镜对比展现战争创伤，雷乃的纪实风格与旁白运用极致。
《淘金记》（查理·卓别林，1925）通过流浪汉的淘金故事展现人性光辉，卓别林的面包舞场景成为经典。
《疤面人》（霍华德·霍克斯/理查德·罗森，1932）通过黑帮老大托尼的崛起与陨落展现美国梦破灭，保罗·穆尼的表演充满张力。
《偷自行车的人》（维托里奥·德西卡，1948）通过父亲寻车故事展现战后罗马贫困，德西卡的新现实主义风格定义意大利电影。
《拿破仑》（阿贝尔·冈斯，1927）通过三屏拼接展现拿破仑生平，冈斯的特技与战争场面至今令人震撼。
